¿Qué es la música cinematográfica? De las bandas sonoras a la música épica

¿Qué es la música cinematográfica?

La música cinematográfica es la música escrita para el cine, o al estilo de las bandas sonoras, para contar una historia y despertar emociones. Suele ser orquestal y casi siempre instrumental, a menudo con coro, gran percusión y sintetizadores o diseño de sonido electrónico. Nació de la música en directo que acompañaba al cine mudo y de las bandas sonoras de Hollywood en la era del cine sonoro, y hoy se escucha en tráileres, videojuegos, conciertos y listas de streaming.

Una banda sonora es música original escrita para una película concreta, hecha de piezas llamadas cues que empiezan y terminan en momentos precisos para reforzar el drama de cada escena. La música cinematográfica es el sonido más amplio que nació de ella. La música de tráileres, las bandas sonoras de videojuegos y el género que los fans llaman "música épica" usan el mismo lenguaje orquestal y narrativo sin pertenecer a una sola película. Para mucha gente, el primer encuentro con la música orquestal, o el más intenso, llega a través del cine.

¿Cómo suena la música cinematográfica?

El núcleo es una orquesta sinfónica: cuerdas, metales, maderas y percusión, casi siempre con un coro o con solistas vocales. La mayoría de las bandas sonoras son obras orquestales con raíces en la música clásica occidental, pero muchas también toman elementos del jazz, el rock, el pop, la música ambiental y las músicas del mundo. Desde la década de 1950, cada vez más bandas sonoras usan sonidos electrónicos, y muchas de las que se escriben hoy son híbridas, con instrumentos orquestales y electrónicos. Algunas las crea por completo el compositor con ordenadores, sintetizadores y samplers.

Tres ideas dan forma a esta música:

• Temas para personajes y lugares. Las bandas sonoras suelen dar a los personajes, lugares e ideas importantes su propia melodía, una idea tomada del leitmotiv de Wagner. La música de John Williams para Star Wars, con temas para Darth Vader, Luke Skywalker y la princesa Leia, es el ejemplo más conocido.
• Figuras repetidas que empujan la historia. Un ostinato, una figura corta que se repite una y otra vez, hace avanzar las escenas. El ostinato de dos notas de Williams para Tiburón (1975) se ha convertido en sinónimo de peligro que se acerca.
• Crescendos hasta el clímax. Las piezas de tráiler y la música épica suelen empezar en voz baja y crecer en un crescendo constante hasta un final enorme, como "O Fortuna" de Carl Orff, que empieza con tambores y coro y crece hasta un cierre poderoso.

No hay un tempo fijo. Cada pasaje sigue a la imagen, así que la pista de clic que oyen los músicos al grabar cambia con el compás y el tempo de la música, y los pasajes lentos y expresivos a menudo se tocan con tempo libre, porque un metrónomo constante puede hacer que suenen rígidos.

La música cinematográfica es casi siempre instrumental. Cuando aparecen voces, suelen ser coros que cantan en latín, como en "O Fortuna", en otros idiomas o en ningún idioma. "Duel of the Fates" de John Williams pone en sánscrito un antiguo poema galés, y Lisa Gerrard, la voz de Gladiator (2000), canta a menudo en un idioma que ella misma inventó. Algunos compositores buscan sonidos insólitos cuando la historia lo pide: Ennio Morricone usó silbidos, latigazos y guitarra eléctrica en sus wésterns, y Bernard Herrmann escribió Psicosis (1960) solo para cuerdas, porque quería "un sonido en blanco y negro" a juego con la imagen en blanco y negro.

Los estilos de la música cinematográfica

Banda sonora orquestal clásica

La tradición sinfónica de Hollywood: una orquesta completa, a menudo con coro, y temas para los personajes principales. Va de King Kong (1933) de Max Steiner y Las aventuras de Robin Hood (1938) de Erich Wolfgang Korngold a Star Wars (1977) de John Williams.

Orquestal híbrido

La orquesta combinada con sintetizadores, samples y diseño de sonido electrónico. Hans Zimmer es su gran nombre: en la década de 1980, él y el compositor Stanley Myers trabajaron en fusionar el sonido orquestal con instrumentos electrónicos, y sus bandas sonoras para Inception, Interstellar y Dune llevaron el estilo a las décadas de 2010 y 2020.

Bandas sonoras electrónicas y de sintetizador

Bandas sonoras construidas sobre todo con sintetizadores, habituales en el cine de suspense y de terror de las décadas de 1970 y 1980. Brad Fiedel grabó Terminator (1984) con un sintetizador Prophet, y John Carpenter usó sintetizadores en abundancia.

Música de tráileres

La música de los avances de las películas. A menudo no es de la película misma, porque la banda sonora suele escribirse cuando la película ya está terminada, mucho después de que salgan los tráileres. La hacen bibliotecas especializadas, en un estilo orquestal híbrido guiado por el diseño de sonido, con grandes coros, tambores y los golpes graves de metales, los "BRAAAM", que se pusieron de moda en los tráileres de acción en la década de 2010.

Música épica

Música al estilo de los tráileres publicada para escucharse por sí misma: orquestal y coral, con sonidos modernos y estructuras de canción. Nació de las bibliotecas de música para tráileres de la década de 2000, y Two Steps from Hell, fundada en Los Ángeles en 2006, se convirtió en su nombre más conocido.

Cinematográfica minimalista y ambiental

Bandas sonoras más tranquilas, construidas con frases repetidas y capas que cambian poco a poco. La música de Philip Glass para Koyaanisqatsi (1982) y El show de Truman (1998) y "On the Nature of Daylight" de Max Richter, que abre y cierra la película La llegada, son grandes ejemplos.

Bandas sonoras de videojuegos

Música para videojuegos, de los sonidos limitados de los primeros chips de sonido a bandas sonoras orquestales completas. La música de los juegos puede cambiar con las acciones del jugador, y hoy se vende en discos y se toca en salas de conciertos de todo el mundo.

Breve historia de la música cinematográfica

El llamado cine mudo casi nunca era mudo. Un pianista, un organista de teatro o, en las grandes ciudades, una orquesta tocaban durante la proyección, a menudo con catálogos de música clasificada por ambientes: oscuro, triste, suspense, acción y persecución. Las primeras partituras completas escritas para películas llegaron en 1908, de Camille Saint-Saëns para El asesinato del duque de Guisa y de Mijaíl Ippolítov-Ivánov para Stenka Razin.

El sonido lo cambió todo. En 1927, De Wolfe Music creó la primera biblioteca de música de producción, y en 1933 la banda sonora de Max Steiner para King Kong se convirtió en un hito al ajustar la música a la acción en pantalla: cuando el jefe de la isla se acerca, cada paso cae sobre un acorde. Steiner usó una orquesta de ochenta músicos y dio a los personajes principales sus propios temas. Llamado a menudo "el padre de la música de cine", después compuso Lo que el viento se llevó (1939) y Casablanca (1942). La Academia empezó a premiar las bandas sonoras en 1935, y en 1938 la partitura sinfónica de Korngold para Las aventuras de Robin Hood marcó el estilo que siguió el cine de acción durante la edad de oro de Hollywood.

La música no tardó en salir de los cines. El primer álbum de la banda sonora orquestal de una película, la música de Miklós Rózsa para El libro de la selva, apareció en 1942. En Italia, Ennio Morricone reinventó el wéstern: su música para El bueno, el feo y el malo (1966) está considerada una de las bandas sonoras más influyentes de la historia, y Hasta que llegó su hora (1968) vendió hasta 10 millones de copias.

En la década de 1970, las grandes partituras orquestales habían pasado de moda. Entonces George Lucas le pidió a John Williams que se inspirara en las bandas sonoras de la edad de oro de Steiner y Korngold para Star Wars. Grabada por la Orquesta Sinfónica de Londres, la banda sonora de 1977 ganó el Óscar, llegó al número 2 del Billboard 200 y se convirtió en el álbum sinfónico más vendido de todos los tiempos. En 2005, el American Film Institute la puso en el primer puesto de las bandas sonoras del cine estadounidense.

En esos mismos años llegaron los sintetizadores, del cine de terror y suspense a Terminator. Hans Zimmer dio el siguiente paso al fusionar la orquesta con instrumentos electrónicos; ha compuesto la música de más de 150 películas y ganó el Óscar por El rey león (1994) y Dune (2021). Desde finales de la década de 1990, bibliotecas especializadas como Immediate Music, X-Ray Dog, Audiomachine y Two Steps from Hell empezaron a crear música orquestal híbrida para tráileres, y cuando los fans pidieron comprarla, empezaron a publicar discos. Los primeros discos de Two Steps from Hell para el público salieron en 2010 y 2011, y tres de sus lanzamientos llegaron después al número uno de la lista Classical Crossover de Billboard.

Los videojuegos también se sumaron a la historia. Koichi Sugiyama celebró el primer concierto de música de videojuegos en 1987 con música de Dragon Quest, Video Games Live se estrenó en el Hollywood Bowl en 2005 ante 11.000 personas, y en 2023 los Grammy añadieron una categoría para las bandas sonoras de videojuegos.

Dónde se escucha la música cinematográfica

La música cinematográfica es un género para escuchar, no para bailar. La gente la oye primero en el cine y la televisión, luego en tráileres y videojuegos, y en los grandes eventos deportivos: John Williams escribió música para los Juegos Olímpicos de verano de 1984, y el himno de la FIFA de Hans Zimmer abrió las retransmisiones del Mundial de 2018.

También llena salas de conciertos. Como la música de cine es la música orquestal moderna que el público mejor conoce, las grandes orquestas la tocan en concierto, y la Orquesta Sinfónica de Londres la interpreta desde 1935. Williams dirigió la Boston Pops de 1980 a 1993, y Howard Shore recorre el mundo con su Sinfonía de El señor de los anillos desde 2004.

Cada vez más, la gente la escucha en streaming. Un estudio de 2020 para la Royal Philharmonic Orchestra indicó que el 46 por ciento de los jóvenes del Reino Unido usa servicios como Spotify y YouTube para escuchar piezas orquestales. Un análisis de más de 1.200 listas de Spotify para trabajar y estudiar encontró que las bandas sonoras de películas eran una quinta parte de las 20 canciones más escuchadas, porque muchas bandas sonoras son casi siempre instrumentales.

La música cinematográfica en España

España tiene sus propias estrellas y su propio premio. La Academia de cine española entrega el Goya a la mejor música original desde que nacieron los premios en 1986, y el récord es de Alberto Iglesias. Nacido en San Sebastián en 1955, se dio a conocer con las películas de Pedro Almodóvar y Julio Medem, logró cuatro nominaciones al Óscar, por The Constant Gardener, The Kite Runner, Tinker Tailor Soldier Spy y Madres paralelas, y en febrero de 2025 ganó su duodécimo Goya, por La habitación de al lado.

Javier Navarrete, nacido en Teruel en 1956, fue nominado al Óscar por El laberinto del fauno (2006), una banda sonora construida por completo en torno a una nana. Roque Baños, de Jumilla, ganó el Goya en 2008 y 2009 y compuso la música de la película de terror de Hollywood Evil Dead (2013). El madrileño Lucas Vidal compuso Fast & Furious 6 y ganó dos Goyas en 2016. José Nieto tiene seis Goyas y en 2000 se convirtió en el primer compositor en recibir el Premio Nacional de Cinematografía, y Fernando Velázquez ganó el Goya en 2017 por Un monstruo viene a verme. Desde 2007, Santa Cruz de Tenerife acoge Fimucité, un festival internacional de música de cine.

Cómo empezar a escuchar música cinematográfica

Empieza por los temas que todo el mundo conoce: Star Wars, Tiburón, El bueno, el feo y el malo. Después escucha cómo cambió el sonido, del King Kong de Steiner y la Psicosis de Herrmann a Interstellar y Dune de Zimmer. Para el sonido de los tráileres, prueba los discos de música épica de Two Steps from Hell; para algo más tranquilo, Philip Glass y Max Richter. Los conciertos de música de cine y de videojuegos son la mejor forma de oír a una orquesta tocarla en directo.

En Vectra Sounds, la música cinematográfica es la casa de Plus Ultra, un álbum de Brian Galvan, el creador de Vectra Sounds, hecho con herramientas de IA musical. Sus bandas sonoras cinematográficas cuentan la historia de España, de su caída y su ascenso a su imperio global y su final. Cada pista tiene su propia página con una vista previa de 45 segundos.